domingo, 22 de setembro de 2013

domingo, 1 de setembro de 2013

Releitura de obras de arte

O que é releitura?
    Assim como existem diversas interpretações de uma obra de arte, existem diversas possibilidades de releituras dessa obra. Uma boa releitura irá depender de uma boa compreensão na leitura da obra. Reler uma obra é totalmente diferente de apenas reproduzi-la, pois é preciso interpretar bem aquilo que se vê e exercitar  a criatividade. Ao recriar uma obra não é necessário empregar a mesma técnica usada pelo artista na obra original. Na releitura de uma pintura podemos utilizar outras formas de expressão artística como o desenho, a escultura, a fotografia ou a colagem. O mais importante é criar algo novo que mantem um elo com a fonte que serviu de inspiração. Uma boa proposta de releitura se baseia em um conhecimento prévio do artista e da obra: a época em que ele viveu, sua biografia, artistas que admirava, outros artistas de seu tempo, o tema da obra e de outros trabalhos seus, a técnica utilizada, etc. Há inúmeros casos de grandes artistas que a utilizaram para se aperfeiçoar, homenagear seus mestres ou alguma obra em especial. No caso das artes, as atividades de releitura possuem um enorme valor educativo e, algumas vezes, geram resultados que se tornam conhecidos e resultam em uma sequência de obras, em outros tempos e estilos. Existem vários exemplos disso na arte, como é o caso da pintura Almoço na Relva de Manet que inspirou o quadro de Picasso. Manet se inspirou emConcerto Pastoral de Giorgione e em uma gravura de Marcantonio Raimondi, O Julgamento de Paris, gravura baseada em desenho de Rafael Sanzio. Ou, ainda, O Balcão de Manet de Magritte, releitura de O Balcão de Manet, que releu O Balcão de Goya. Abaixo, exemplos interessantes de releitura de alunos dos cursos de Design Gráfico, Design de Produto, Design de Ambientes e Licenciatura em Artes Visuais da UEMG. Releituras realizadas em 2007.
 Matheus-de-moura-alves - Justiça Assassinada-exp

Monalisa-Referencia

Monalisa-Samara-pereira-de-araujo-Dambt

marina-magritte-balcao-de-manet-exp

Marina-Martins-Machado-Magritte-exp

Capela Sistina - A Criação de Adão-exp

Capela Sistina - Leonardo Ribeiro Leite - exp
Fonte: http://coresematizes.wordpress.com/2009/07/16/o-que-e-releitura/


Mais sobre releitura


Vídeo - Releitura: http://www.youtube.com/watch?v=aoc9K6eY-T8

Intervenções e Instalações Artísticas

  
  
 
 
 
A intervenção é uma prática artística influenciada pelo hibridismo e  velocidade do mundo contemporâneo. Está intimamente ligada à paisagem urbana e aos seus fluxos que passam a interessar aos artistas das últimas décadas. A importância da intervenção como procedimento estético, artístico e social está em apresentar a questão dos novos papéis esboçados para a arte, o artista, o mercado e as instituições museológicas frente à mudança de investimentos e prioridades do mundo atual. 
 
Marta Minujim. El panteon de libros. Argentina. 1983
 


Intervir significa atuar de modo a configurar uma possível reversibilidade da ação executada. Ganha espaço na sociedade atual pois indica uma forma temporária, preferível, portanto à instalação perene de um conceito, objeto, idéia, trabalho artístico. 
 
 
José Resende. Artecidadezonaleste. São Paulo. 2002
 


A intervenção aplica uma nomenclatura emprestada do terreno da Arquitetura e do Urbanismo. Aciona os limites entre objeto (material, físico) e o processo (volátil, reversível, imaterial) elementos presentes na arte contemporânea. 
 
Intervenção arquitetônica de Paulo Mendes da Rocha na Pinacoteca do Estado de SP.
 


Com a atuação cada vez mais significativa dos meios de comunicação como mecanismos de captação de imagens, sons e dados empregados pelas mídias tecnológicas, a intervenção passa a alargar seus sentidos e formatos.  
 
Krzysztof Wodiczko. The Border Projection, Part Two. Fachada do Centro Cultural Tijuana.
 


A intervenção artística é uma ação direta sobre o espaço dado como ato de questionamento, e de apelo estético preponderante. Traduz-se como quebra da estabilidade, de questionamento prático sobre o tecido dado e pronto  do espaço urbano.  O artista Christo Javacheff nos deixa colocações importantes para compreendermos a ação da Intervenção Artística. Numa entrevista a Patricia Phillips, no ano de 1990,  ele diz que: Meus projetos não são claramente esculturas “normais”(...) O trabalho é sempre removido, mas a sua presença pode permanecer.”













Fred Forest. Passeio Sociológico. São Paulo. 1973.
 
Christo Javacheff. Monumento Vittorio Emanuelle empacotado.
Milão. 1970

Seja ela de  estratégia temporal, virtualizada, multimidiática ou não, a intervenção artística recodifica a arte pela conjunção : passagem do artista + lugar + evento.













Jenny Holzer. From Arno. Bienal de Firenze, 1996-97




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INSTALAÇÃO ARTÍSTICA      Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Instala%C3%A7%C3%A3o_(arte)


Uma instalação (krafts) é uma manifestação artística onde a obra é composta de elementos orgânicos em um ambiente. É uma obra de arte que só "existe" na hora da exposição, é montada na hora, e após isto é desmontada, sendo que de lembrança da mesma só ficam fotos e recordações...
Uma das possibilidades da instalação é provocar sensações: friocalorodoressom ou coisas que simplesmente chamem a atenção do público ao redor.
A primeira instalação artística da história foi o "Merz Boo", ou "Casa Merz", o apartamento do poeta e artista plástico Kurt Schwitters, transformado por ele em uma obra de arte, de 1926, na cidade alemã de Hanôver.

Alguns artistas

 
Doris Salcedo, Bienal de Stambul, 2003





Pop Art






Pop art (ou Arte pop) é um movimento artístico surgido na década de 50 na Inglaterra mas que alcançou sua maturidade na década de 60 em Nova York. O nome desta escola estético-artística coube ao crítico britânico Lawrence Alloway (1926 - 1990) sendo uma das primeiras, e mais famosas imagens relacionadas ao estilo - que de alguma maneira se tornou paradigma deste - ,a colagem de Richard Hamilton (1922 - 2011): O que Exatamente Torna os Lares de Hoje Tão Diferentes, Tão Atraentes?, de 1956. A Pop art propunha que se admitisse a crise da arte que assolava o século XX desta maneira pretendia demonstrar com suas obras a massificação da cultura popular capitalista. Procurava a estética das massas, tentando achar a definição do que seria a cultura pop, aproximando-se do que costuma chamar de kitsch.
Diz-se que a Pop art é o marco de passagem da modernidade para a pós-modernidade na cultura ocidental.
Max Horkheimer (à esquerda) eTheodor W. Adorno (1955)
Theodor W. Adorno e Max Horkheimer, nos anos 40, cunharam o termo Indústria cultural. O conceito analisa a produção e a função da cultura no capitalismo e relaciona cultura como mercadoria para satisfazer a utilidade do público.
A defesa do popular traduz uma atitude artística adversa ao hermetismo da arte moderna. Nesse sentido, esse movimento se coloca na cena artística como uma das mãos que não se movia. Com o objetivo da crítica Tônica ao bombardeamento da sociedade capitalista pelos objetos de consumo da época, ela operava com signos estéticos de cores inusitadas massificados pela publicidade e pelo consumo, usando como materiais principais: gessotinta acrílicapoliésterlátex, produtos com cores intensas, fluorescentes, brilhantes e vibrantes, reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande, como de uma escala de cinquenta para um,objeto pequeno , e depois ao tamanho normal.


POP ART


Introdução 
A Pop Art, abreviatura de Popular Art, foi um movimento artístico que se desenvolveu na década de 1950, na Inglaterra e nos Estados Unidos. Foi na verdade uma reação artística ao movimento do expressionismo abstrato das décadas de 1940 e 1950.
Crítica à cultura de massa
Os artistas deste movimento buscaram inspiração na cultura de massas para criar suas obras de arte, aproximando-se e, ao mesmo tempo, criticando de forma irônica a vida cotidiana materialista e consumista. Latas de refrigerante, embalagens de alimentos, histórias em quadrinhos, bandeiras, panfletos de propagandas e outros objetos serviram de base para a criação artística deste período. Os artistas trabalhavam com cores vivas e modificavam o formato destes objetos. A técnica de repetir várias vezes um mesmo objeto, com cores diferentes e a colagem foram muito utilizadas.

Materiais usados 
Os materiais mais usados pelos artistas da pop art eram derivados das novas tecnologias que surgiram em meados do século XX. Gomaespuma, poliéster e acrílico foram muito usados pelos artistas plásticos deste movimento.

Principais artistas da Pop Art:

Andy Warhol: maior representante da Pop Art. Além de pintor foi também cineasta.
Peter Blake: foi o criador da capa do disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, dos Beatles.
Wayne Thiebaud: pintor norte-americano que se destacou na criação de obras com teor humorístico e nostálgico.
Roy Lichtenstein: pintor norte-americano que trabalhou muito com HQs (histórias em quadrinhos), criticando a cultura de massas.
Jasper Johns: pintor norte-americano cuja obra principal foi Flag (Bandeira) de 1954.


Influências 
A pop art exerceu uma grande influência no mundo artístico e cultural das épocas posteriores. Influenciou também o grafismo e os desenhos relacionados à  moda.


Op Art

Op art é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões ópticas.
A expressão "op-art" vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.
Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.
Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950, a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art; em comparação, parece excessivamente cerebral e sistemática, mais próxima das ciências do que das humanidades. Por outro lado, suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia.
O termo surgiu pela primeira vez na Time Magazine em Outubro de 1964, embora já se produzissem há alguns anos trabalhos que hoje podem ser descritos como "op art". Sugeriu-se que trabalhos de Victor Vasarely, dos anos 30, tais como Zebra (1938), que é inteiramente composto por listas diagonais a preto e branco, curvadas de tal modo que dão a impressão tridimensional de uma zebra sentada, devem ser consideradas as primeiras obras de op art.
Em 1965, uma exposição chamada The Responsive Eye (O Olho que Responde), composta inteiramente por trabalhos de op art, abriu emNova Iorque. Esta exposição fez muito para trazer a op art à ribalta, e muitos dos artistas hoje considerados importantes no estilo exibiram lá trabalhos seus. Em seguida, a op art tornou-se tremendamente popular, e foram usadas imagens de op art em vários contextos comerciais. Bridget Riley tentou processar uma empresa americana, sem sucesso, por usar um dos seus quadros como base para um padrão de tecido.
Bridget Riley é talvez a mais conhecida dos artistas de op art. Inspirando-se em Vasarely, pintou uma série de quadros só com linhas pretas e brancas. No entanto, em vez de dar a impressão de um objecto do mundo real, os seus quadros deixavam frequentemente a impressão de movimento ou cor.
Mais tarde, Riley produziu trabalhos coloridos, e outros artistas de op art também trabalharam com cor, embora estes trabalhos tendam a ser menos conhecidos. Contrastes violentos de cor são por vezes usados para produzir ilusões de movimento similares às obtidas a preto e branco.



O que é 
Op-art, também conhecida como Arte Óptica, é um estilo artístico visual que utiliza ilusões óticas. Este movimento artístico teve inicio na década de 1930 com as obras do designer gráfico e artista húngaro Victor Vasarely.
Características principais 
- Uso de recursos visuais (cores, formas, etc.) para provocar ilusões óticas.
- As imagens parecem ter movimento.
- Combinações de formas geométricas simples como, por exemplo, quadrados, retângulos, círculos e triângulos.
- Em muitas obras, o observador deve se movimentar para visualizar os efeitos da pintura ou escultura. Desta forma, o observador participa ativamente.
- Uso de linhas paralelas sinuosas ou retas.
- Uso de poucas cores, sendo o preto e o branco as mais usadas.
- Imagens ocultas que podem ser vistas somente de determinados ângulos ou através da focalização de determinadas áreas da obra.
- Contraste de cores.
Principais artistas 
- Victor Vasarely - artista e designer gráfico, é considerado o pai da op-art. Começou a fazer este tipo de arte na década de 1930.
- Bridget Riley - pintor inglês
- Jesús Soto - escultor e pintor venezuelano
- Yaacov Agam - artista israelense
- Richard Allen - artista britânico
- Tony Delap - artista norte-americano
- Josef Albers - artista alemão
- Heinz Mack - artista plástico alemão
Você sabia?
Uma das principais exposições de op-art ocorreu no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque em 1965. Conhecida como "The Responsive Eye", a exposição contou com a participação de vários artistas importantes.




Significado das Cores











domingo, 7 de julho de 2013

Folclore - atividades

http://educarparacrescer.abril.com.br/folclore/

Folclore - atividades

http://educarparacrescer.abril.com.br/folclore/

ENEM - Provas e Gabaritos

http://vestibular.brasilescola.com/enem/provas-gabaritos-enem.htm

Música

Os diferentes gêneros e ritmos musicais.
Os diferentes gêneros e ritmos musicais.
A música tem acompanhado o homem desde a pré-história, tornando-se um elemento característico do ser humano. É impossível pensar no mundo atual sem a música. Além das bandas musicais que enlouquecem milhões de fãs em todo o mundo, ela ainda está presente nos toques de celulares, comerciais de TV, nos sons que saem do computador, entre inúmeros outros exemplos.

Falando de forma clara, música é a sucessão de sons e silêncio organizada ao longo do tempo. Como já foi dito, a música tem várias funções. A função artística é considerada por muitos sua principal função, porém existem outras, como a militar, educacional ou terapêutica (musicoterapia) e religiosa.

Em qualquer lugar que você ler sobre música, irá encontrar a mesma definição: "a música é dividida em três elementos: melodia, harmonia e ritmo”. Mas o que é isso?

Melodia é a organização simples de uma série de sons musicais, constituindo-se o elemento principal da música. É a sequência de sons que você vai cantar ou tocar. Para uma melhor compreensão, vamos pegar um exemplo, o hino nacional brasileiro. A melodia é a forma que você canta, cada música tem uma melodia diferente. Você não canta o hino nacional da mesma forma que canta a música “Garota de Ipanema”. Isso é melodia.

Ritmo é o que age em função da duração do som. É a definição de quanto tempo cada parte da melodia continuará à tona. Você já percebeu que na parte “(...) margens plácidas”, o “plá” demora mais que o “cidas”? Isso é o ritmo da música.

Harmonia é a combinação dos sons ouvidos simultaneamente, é o agrupamento agradável de sons. No nosso exemplo, você poderia muito bem tocar a música apenas com uma nota de cada vez, porém ficaria sem graça. Por isso, quanto mais notas musicais você tocar simultaneamente (acordes) de forma agradável, harmoniosa, melhor será a música.

Os sons que habitualmente utilizamos nas músicas são chamados de notas musicais, cada um deles é representado por uma letra:
Dó (C), Ré (D), Mi (E), Fá (F), Sol (G), Lá (A) e Si (B).
Ainda há outros símbolos de alteração das notas: o sustenido (#) e o bemol (b).

Cada uma dessas notas possui uma altura diferente, sendo graves (frequência menor, mais "grossa", como a voz masculina) ou agudas (frequência maior, mais "fina", como a voz feminina). A organização destas alturas é chamada de escala musical.

A combinação diversificada dos elementos melodia, ritmo e harmonia dão origem ao que chamamos de estilos musicais. Entre alguns exemplos, podemos citar rock, pop, rap, funk, tecno, samba, country, jazz e blues. Contudo, os estilos são tão variados que novas combinações surgem a todo tempo. Da derivação do rock, por exemplo, surgiram diversas derivações, como o poprock, punkrock, emocore, heavy metal, hard rock, rock alternativo, indie-rock, entre outras.

Fonte:


A Arte Grega

A arte grega ainda tem influência sobre os padrões estéticos do mundo contemporâneo.
A arte grega ainda tem influência sobre os padrões estéticos do mundo contemporâneo.
Ao falarmos sobre a arte grega, temos uma grande dificuldade comum a toda civilização que tem suas manifestações investigadas. Estando subordinada ao tempo e à cultura, a arte grega assume traços e características que variam bastante ao longo do tempo. Assim como nós, os interesses temáticos e estéticos da população grega variaram bastante com o passar dos séculos. Isso, sem contar que esse mesmo povo era formado por várias cidades-Estado e entrou em contato com outras civilizações do mundo antigo.

Se pudermos destacar um aspecto que difere a arte grega das outras civilizações, devemos então explorar a questão do lugar que a arte ocupou na vida desse povo. Ao contrário de outros povos, os gregos não restringiram o desenvolvimento de sua arte a um único aspecto de suas vidas (como a religião) e nem atrelou a mesma aos interesses de um único grupo social. Entretanto, isso não quer dizer que os gregos transformaram sua arte em um âmbito autônomo e livre de influências.

Umas das mais interessantes características da arte grega é a preocupação em se pensar e retratar as ações humanas. Com isso, vemos que os gregos estabelecem a exploração de temáticas que singularizam o aparecimento do homem nas artes. Ainda a esse respeito, podemos ver que a escultura e a pintura grega, por exemplo, reforçam ainda mais esse traço humanístico ao promover o desenvolvimento de técnicas que reproduziam o corpo com grande riqueza de detalhes.

No âmbito das artes cênicas, os gregos fundaram gêneros que até hoje organizam as várias modalidades do teatro contemporâneo. A tragédia e a comédia aparecem como textos em que os costumes, instituições e dilemas da existência eram discutidos através da elaboração de narrativas e personagens bastante elaboradas. Tendo grande prestigio entre a população, o teatro atraía os olhares de várias pessoas que se reuniam para admirar e discutir as peças encenadas publicamente.

Tão interessante como a observação da arte grega, podemos também notar que elementos estéticos criados por este povo ainda influenciam a arte contemporânea. Movimentos como o Renascimento, o Iluminismo e o Classicismo tiveram grande preocupação em retomar e refletir à luz dos referenciais lançados pelos gregos. De tal forma, é inegável que o legado artístico grego ainda tenha grande utilidade para se pensar o tempo presente.

Fonte:

A Percepção das Cores

A cor é percebida através dos cones na nossa visão. Existem no olho cerca de seis milhões de cones e a ausência ou deficiência dos cones causa o daltonismo. A cor representa uma percepção para o cérebro e o estimula a diferenciar uma cor da outra. Assim, o cérebro aprende a corrigir a cor dos objetos, ou seja, se usar um óculos escuro, ao tirá-lo o cérebro mostrará tudo escuro por um tempo até que perceba que deve deixar a correção.
Pesquisa realizada por um laboratório de cores mostrou que as pessoas julgam subconscientemente uma outra pessoa, um ambiente ou um objeto pela cor. O emocional liga a cor a uma determinada situação:
- Vermelho; perigo, quente, excitante, sexo.
- Azul; masculino, frio, calmo, estável.
- Branco; puro, honesto, frio.
- Pastel; feminino, sensível, delicado.
- Laranja; emoção, positivo.
- Negro; morte, poder, autoridade, seriedade.
- Rosa; feminino, quente, ardente.
- Verde; natureza, conforto, esperança, dinheiro.
- Amarelo; sol, calor, calma, tranquilidade.
Há pessoas que possuem deficiências para perceber as cores, essas atingem mais homens que mulheres. O fato de o homem possuir um só cromossomo X faz com que o número de deficiência seja grande, já nas mulheres, por possuir dois cromossomos X, é necessário que os dois cromossomos estejam defeituosos para que sua visão seja afetada.

Fonte:

Arte - o que é?


A arte em forma de pintura
A arte é uma forma de o ser humano expressar suas emoções, sua história e sua cultura através de alguns valores estéticos, como beleza, harmonia, equilíbrio. A arte pode ser representada através de várias formas, em especial na música, na escultura, na pintura, no cinema, na dança, entre outras.
Após seu surgimento, há milhares de anos, a arte foi evoluindo e ocupando um importantíssimo espaço na sociedade, haja vista que algumas representações da arte são indispensáveis para muitas pessoas nos dias atuais, como, por exemplo, a música, que é capaz de nos deixar felizes quando estamos tristes. Ela funciona como uma distração para certos problemas, um modo de expressar o que sentimos aos diversos grupos da sociedade.
Muitas pessoas dizem não ter interesse pela arte e por movimentos ligados a ela, porém o que elas não imaginam é que a arte não se restringe a pinturas ou esculturas, também pode ser representada por formas mais populares, como a música, o cinema e a dança. Essas formas de arte são praticadas em todo o mundo, em diferentes culturas. Atualmente a arte é dividida em clássica e moderna e qualquer pessoa pode se informar sobre cada uma delas e apreciar a que melhor se encaixar com sua percepção de arte.

Fonte:

Arte Cristã Primitiva – A fase oficial

Arte Cristã Primitiva – A fase oficial


A oficialização do cristianismo inaugurou uma nova fase na arte cristã.
 
A partir de 313, a expansão do cristianismo pelo Império Romano estabeleceu outra fase no desenvolvimento das expressões artísticas ligadas a essa nova crença. De acordo com as bases fundamentais do Edito de Milão, documento oficial outorgado pelo Imperador Constantino, o cristianismo passava a ser uma religião reconhecida pelo Estado romano. Após essa determinação, as igrejas cristãs se proliferaram e abriram espaço para um novo campo de expressão para tal arte.

Os primeiros templos cristãos foram visivelmente influenciados pela tradição arquitetônica dos prédios públicos romanos. Uma das maiores manifestações dessa influência é vista na utilização da palavra “basílica” para nomear as igrejas. Antes de tal acontecimento, esse mesmo nome era somente empregado para os prédios que cuidavam da administração do império.

Sendo uma verdadeira homenagem à confissão cristã, essas primeiras igrejas construídas tinham um projeto arquitetônico bastante elaborado. Os recursos financeiros utilizados eram elevados, pois se tinha uma grande preocupação com a solidez da obra construída. Internamente, as primeiras basílicas cristãs eram dotadas de um grande teto segmentado em três grandes abóbodas ogivais apoiadas por ogivas menores que, por sua vez, eram sustentadas por várias colunas.

Em algumas situações, por conta da falta de conhecimento do arquiteto ou pela simples contenção de despesas, algumas igrejas contaram com um projeto menos elaborado. Contudo, vemos que parte considerável dessas igrejas valorizava a concepção de espaços amplos que pudessem se adequar à congregação de vários seguidores do cristianismo. Além disso, as paredes eram ricas em pinturas que faziam referência a passagens bíblicas.

As pinturas que aparecem nessa época assinalam bem o estado de hibridação cultural vivido no mundo romano. Muitas das imagens representadas no interior destas igrejas, que faziam sentido ao culto cristão, também poderiam despertar os sentidos dos seguidores das demais religiões pagãs. A representação de videiras nos arabescos das basílicas que poderia ter origem nos rituais dionisíacos, agora, no contexto cristão, fazia referência ao sagrado ritual eucarístico.

Além dessa fusão, percebemos que a liberação do culto propiciou a inauguração de uma série de novos elementos que integraram a iconografia cristã. Como exemplo, podemos citar uma interessante imagem presente na Igreja de Santa Constanza. Em tal construção, podemos apreciar a imagem do Cristo em um cenário paradisíaco entregando as leis nas mãos dos apóstolos Pedro e Paulo.

Ainda durante o século IV, temos que ainda destacar as ações tomadas pelo Imperador Teodósio. Por meio dos poderes a ele concedidos, este governante romano, no ano de 391, elevou o cristianismo à condição de religião oficial de todo o Império Romano. Dessa forma, podemos compreender por quais razões a pintura e a arquitetura cristã se desenvolveram tanto nesse espaço de tempo.


Fonte:
http://www.brasilescola.com/artes/arte-crista-primitiva-1.htm

Surrealismo

Surrealismo

O surrealismo constituiu uma profunda ruptura nas artes no início do século XX.


Salvador Dalí foi um dos maiores nomes do surrealismo nas artes plásticas. Detalhe de uma de suas obras no Museu Dalí em Figueras, Espanha.*
Salvador Dalí foi um dos maiores nomes do surrealismo nas artes plásticas. Detalhe de uma de suas obras no Museu Dalí em Figueras, Espanha.*
surrealismo foi um movimento artístico que surgiu na Europa, cujo marco inicial foi o Manifesto Surrealista de André Breton, publicado em 1924. O surrealismo criticou a racionalidade burguesa em favor do maravilhoso, do fantástico e dos sonhos, abarcando uma grande quantidade de artistas, entre eles, podemos citar: na literatura, André BretonLouis Aragon, Philippe Soupault e outros; nas artes plásticas, Joán Miró, Max Ernst, Salvador Dalí e outros; na fotografia, Man Ray, Dora Maar e Brasaï; e, no cinema, Luís Buñuel.
Nas palavras de Breton, um dos objetivos do surrealismo era "resolver a contradição até agora vigente entre sonho e realidade pela criação de uma realidade absoluta, uma suprarrealidade". Essa perspectiva levou esses artistas a buscarem inspiração na obra do psicanalista Sigmund Freud, trazendo para a arte o irracional, o inconsciente, explorando o imaginário e os impulsos ocultos da mente. Nesse sentido, algumas técnicas de produção artística adotadas foram a escrita e a pintura automática, pois seriam formas de transcrição imediata do inconsciente, buscando assim driblar os controles conscientes do artista, com a liberação das imagens que lhes surgiam à mente e de seus impulsos primitivos.
Escultura de Joan Miró exposta em parque de Barcelona, cidade com várias obras do artista**
Escultura de Joan Miró exposta em parque de Barcelona, cidade com várias obras do artista**
Outra técnica utilizada foi a de colagens, em que imagens eram reunidas aleatoriamente e ao acaso, criando uma justaposição de objetos desconexos e associações que à primeira vista pareciam impossíveis. Esse método foi inspirado na frase do Conde de Lautréamont: '"Belo como o encontro casual entre uma máquina de costura e um guarda-chuva numa mesa de dissecção".
No aspecto político, o caráter revolucionário e subversivo da proposta surrealista aproximou alguns artistas de grupos políticos de linhagem marxista, como André Breton, quando se alinhou ao trotskismo. Por outro lado, alguns se mantiveram numa esfera mais conservadora, como Salvador Dalí.
Selo estampando obra de Max Ernest. ***
Selo estampando obra de Max Ernest. ***

Fonte:

Santuário de Stonehenge

Santuário de Stonehenge

Possivelmente construído com o objetivo de estudar fenômenos astronômicos, o santuário de Stonehenge intriga a humanidade.



Santuário de Stonehenge, próximo a Londres, Inglaterra
Santuário de Stonehenge, próximo a Londres, Inglaterra
santuário de Stonehenge é um dos principais monumentos arquitetônicos do período Neolítico, a fase final da Pré-História, quando os grupos humanos passaram a se sedentarizar e a praticar a agricultura, criando uma série de ferramentas com novos materiais e novas técnicas. Pelos estudos que são realizados sobre Stonehenge, percebe-se também que durante este período os conhecimentos sobre os fenômenos astronômicos estavam sendo desenvolvidos. Entretanto, a falta de documentação e vestígios arqueológicos mais claros impedem um conhecimento aprofundado sobre as funções desempenhadas pelo santuário ao longo de sua existência, o que leva à criação de uma série de teorias e especulações sobre Stonehenge.
Stonehenge está localizado na planície de Salisbury, no condado de Wiltshire, próximo a Londres, na Inglaterra. É um dos mais conhecidos pontos turísticos do país. Além disso, o santuário de Stonehenge é entendido como um local de observação astronômica, principalmente na época dos solstícios de verão e inverno, já que as pedras parecem ter sido dispostas de acordo com a posição do Sol nestas épocas do ano. Por outro lado, há indícios de que o local era utilizado para a realização de rituais religiosos, evidenciando a união que existe na humanidade entre os conhecimentos astronômicos e o domínio religioso.
Stonehenge é formado por imensos blocos de pedras dispostos em forma circular e construídos a partir de 3100 a.C., em três fases de construção. A primeira seria uma estrutura de madeira. Já a segunda teria sido feito com pedras azuis vindas da região do País de Gales, distantes 400 km de Stonehenge. A terceira fase constituiria o formato atual do santuário. Essas pedras azuis ainda compõem o santuário, estando localizadas em seu círculo central. No núcleo do santuário há uma espécie de altar, formado por bancos de pedras.
Acredita-se que cerimônias religiosas foram realizadas no local, principalmente por druidas, que realizavam sacrifícios e rituais destinados à adoração da divindade solar. Estes rituais poderiam também ser constituídos enquanto festivais, em que os druidas realizavam ainda algumas funções fora do âmbito religioso, como as judiciais.
Escavações arqueológicas indicam ainda que o local pode ter sido utilizado como cemitério em virtude de restos mortais terem sido encontrados no local e a forma de disposição desses restos.
Muitas dúvidas e superstições pairam sobre Stonehenge, o que acaba fortalecendo sua vocação turística. Há ainda outros sítios arqueológicos semelhantes a Stonehenge na Grã-Bretanha. Ao norte de Stonehenge existe o complexo de Avebury, com datação próxima do famoso santuário. Foram encontrados indícios no norte da Escócia, nas ilhas Orkney, da existência do Promontório de Brodgar, um complexo de centenas de construções, cercadas por uma muralha monumental, possivelmente 200 anos mais antigo que Stonehenge.

Fonte: